Entrevista: Un pianista japonés con corazón latinoamericano

Para los que disfrutamos de las músicas del mundo entero la red nos ha permitido encontrar una infinita biblioteca sonora y así en alguna pequeña saciar la curiosidad de cada estilo que nos atrae.

Kaoru Hirokawa, médico y pianista japonés con alma latina, ha encontrado en las américas el regocijo de la interpretación pianística, y nos relata su travesía, aún en proceso, de conocer y difundir el repertorio pianístico latinoamericano; una vez más desde el extranjero nos ponen el espejo sobre la gran riqueza musical que poseemos mostrando las dificultades en los archivos y bibliotecas, en carencia de grabaciones y mucho menos en la cantidad de artistas que difunden el repertorio de nuestros países. Ese es el gran reto de artistas y compositores, generar aún mayor movimiento con lo nuestro. 

OC: ¿Cuál es su nombre y cuál es su formación musical?

KH: Me llamo Kaoru Hirokawa. Nací en la ciudad de Chiba, cerca de Tokio. Aprendo música desde mi niñez, a los 4 años. Al principio estudié piano y solfeo en la escuela de música Yamaha, a continuación tomé lecciones particulares de piano y composición en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio. Actualmente trabajo en un hospital en Tokio, y continúo la actividad musical, presentando periódicamente recitales de piano. En año 2010 he revisado y editado las partituras de "Danzas cubanas" de compositor cubano Ignacio Cervantes, que fue publicada por Yamaha Music Media Corporation. Hace veinte años vengo muy interesado en investigaciones sobre la música latinoamericana para piano.

Kaoru Hirokawa, pianista japonés admirador de la música latonoamericana

OC: ¿Cuál fue su primer acercamiento a la música latinoamericana?

KH: Cuando era niño, oía mucho la música mexicana, brasileña, y argentina, es decir mariachi, samba, y tango, que a mi padre le gustaba. En la escuela de música y con los profesores de música solía aprender los compositores como Bach, Beethoven, Chopin, Liszt, y Debussy. Más adelante, me interesaba la música española. Yo tocaba mucho obras para piano de Albéniz, Granados, Falla, y Turina. Conociendo casi todas obras para piano de compositores españolas, luego pasé a buscar música que tiene un sabor latino. Hace veinte años me encantaron unos CDs que contenían obras para piano de compositor mexicano Manuel Ponce y argentino Carlos Guastavino. Actualmente vengo conociendo la música de compositores latinoamericanos poco a poco.

OC: ¿Consideras que cada país tiene alguna característica especial en la música para piano?

KH: Claro. Parece que hay diferencia de música para piano entre Vanezuela y Colombia, también entre Argentina y Uruguay. En Brasil, también se encuentra diferencias entre el compositor paulista (São Paulo) Francisco Mignone y el carioca (Rio de Janeiro) Ernesto Nazareth, cada uno tiene carácter diferente en sus músicas.

OC: ¿Hay facilidad para acceder a los archivos de la música de cada país?

KH: Hay diferencia entre país. En Colombia y Brasil hay unas tiendas de música online que tratan no sólo los discos sino las partituras, la biblioteca nacional y la de universidades tienen catálogos en línea que son accesible al público, además algunas bibliotecas tienen la biblioteca digital que es de fácil acceso para todos. En año 2014, he viajado por México y Argentina, donde visité la biblioteca de Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México y la de la Universidad Católica Argentina respectivamente. Ambas bibliotecas permitieron me acercarme a las partituras antiguas que habían ser publicados hace más de cien años. Mientras en Perú hay poca tienda de discos online que trata los discos de compositores académicos peruanos y lamentablemente la biblioteca del Conservatorio Nacional de Música de Perú no tiene catálogo online, ni la biblioteca nacional parece permitir acceso al público.

[fin de la entrevista]

También Kaoru nos comentó que el público japonés gusta del romanticismo latinoamericano, de esa contemplación seguramente que nos produce los paisajes de nuestras montañas, volcanes, estepas y selvas. Al parecer su búsqueda ha influído en sus composiciones como por ejemplo en Bercause (para piano) o su obra Great Yellow River para piano y orquesta, las obras de Kaoru están llenas de gran sensibilidad y lirismo melódico. En su canal KaoruPiano en YouTube se puede encontrar interpretaciones muy logradas  de compositores como Guastavino, Soro, Armengol, Moreno-Gonzáles y otros.

La idea de que el mundo sonoro global necesita escuchar a latinoamérica, no es idealismo, es una necesidad real, artística y cultural; lo que ofrecemos como latinos, aquello que nos diferencia también complementa a todo mundo.

Nota agregada el 01/02/2018. Recientemente el maestro Kaoru ha logrado la grabación muy lograda de la 1ra y 2da Serie titulada "De mis Montañas" del compositor Manuel Lorenzo Aguirre de la Fuente, además la suite completa de Roberto Carpio, Hospital.

Nota agregada el 09/05/2020. En calidad de estreno el maestro Kaoru ha tenido la deferencia de revisar y editar la versión manuscrita que logramos conseguir hace ya varios años, la Sonata para piano Nº 2 Op. 46 del compositor Manuel Lorenzo Aguirre de la Fuente, ( 1. Allegretto - 2. Andante (Largo) - 3. Allegro agitato - Vivace). Al respecto del manuscrito hallado, como tantas partituras que pierden cada día, la hallamos en un anticuario local, aquí en Arequipa,  junto a otras obras impresas del maestro, grande fue mi sorpresa encontrar en tinta y caligrafía del compositor su sonata Nro.02 cuyo análisis merece un estudio mayor y que pongo a disposición a aquellos que interesados en la investigación.

Al conversar con el maestro Kaoru, logramos revisar nota a nota la obra encontrando los cabos sueltos y en especial ordenar los compases finales que se encontraban aún a lápiz, el trabajo de revisión fue arduo y llevo alrededor de un año ver plasmada la grabación que a continuación visualizaremos.

Nota agregada el 22/05/2022, el maestro Kaoru nos regala esta hermosa interpretación de sus Siete piezas, revisadas y editadas por Sas - Rosay "Siete piezas" for piano, del compositor Manuel Lorenzo Aguirre (1. Primavera 2. Soñando 3. Hoja de Álbum 4. Llorando 5. En las cumbres 6. Humoreska 7. Impromptu). A estas alturas y luego de 5 años de haber conocido la música arequipeña y en especial haber grabado la del maestro Aguirre, no podemos dejar de reconocer la labor y el talento del maestro Kaoru en su afán de no silenciar las viejas partituras del maestro, sino de dotarlas de vitalidad contemporánea y fina interpretación.

¿Sientes que la marinera se ha distorsionado?

¿SIENTES QUE LA MARINERA ACTUALMENTE SE HA DISTORSIONADO?

Por Ronald Fernandez de la Rosa:

Si bien es cierto que la marinera bailada con espontaneidad y naturalidad es la que vive en cada pueblo del país, no podemos cerrar los ojos ni negar que la marinera que se exhibe en las competencias nacionales está atravesando esta terrible y temible realidad de distorsión. Por esta razón señalo que es imperativo controlar, desde organismos del Estado Peruano, este desbande de fantasías y distorsiones que paulatinamente ponen en riesgo nuestra propia identidad.

Es necesario iniciar un proceso revalorativo de las fuentes de nuestra tradición, y esta tarea debemos iniciarla a nivel de academias, agrupaciones, talleres, y sobre todo, en quienes recae el trabajo de organizar concursos de marinera, así como en quienes califican en ellos. Son muchos los agentes que tienen gran responsabilidad de lo que viene sucediendo.

Debemos tener muy presente que la marinera que llega a los ojos del mundo es la que se exhibe en las competencias nacionales, son dichos concursos y las excentricidades de algunos campeones y concursantes los que marcan la pauta y originan progresivamente la tendencia a la distorsión. Es en estos eventos donde se necesita poner mayor énfasis en su cuidado y sobre todo evitar que las “innovaciones” pongan en riesgo un elemento cultural tan nuestro.

Si no iniciamos estas acciones, la tendencia de los nuevos tiempos y sus reglas de mercado (“EL VENDER”) hará que, en algunos años, lo tradicional sea un vago recuerdo, y el falso modernismo se convierta en lo que identifique al baile peruano. Si esto llegara a suceder, habremos transformado sin piedad, nuestra identidad cultural en una mal llamada “evolución”.

No hay que confundir: Una cosa es ESTILIZAR y otra cosa es DEFORMAR.

Una razón casi oculta en cuanto a la distorsión del baile RECAE EN LA MÚSICA.

Puedo asegurar que la marinera como baile empezó a cambiar su forma, cuando empezó a alterarse su música.

Si bien es cierto que últimamente han aparecido hermosas creaciones musicales con inspiradoras melodías, por lo cual felicito a quienes la componen, es preciso señalar también que algunas composiciones musicales actuales están llenas de pausas, redobles y requiebros, las que generan que los ejecutantes inventen pasos y “pasitos”, muchos de ellos, fuera del lugar. Cuidado con los excesos.

Los compositores deben saber que el bailarín realiza en la pista de baile, lo que ellos piden en su música.

Dos recomendaciones importantes para quienes tienen el afán de modernizar el baile:

1. Para incorporar elementos nuevos (Estilizar) se debe tener CRITERIO, CONOCIMIENTO Y CAPACIDAD.
2. NADIE PUEDE MANEJAR A SU ANTOJO UNA TRADICIÓN, (baile, vestuario, música, etc), ni menos crear su propia versión de ella, tergiversando y desvirtuando su sentido.

En cuanto al vestuario:

Cuando hablamos de vestimenta tradicional nos estamos refiriendo al atuendo que estuvo en uso allá por fines del siglo XIX en los distintos pueblos y regiones del Perú y que, por haberse generalizado su uso en cada zona, fue considerada como vestuario representativo y tradicional del lugar.

Entonces podemos decir que los VESTUARIOS TRADICIONALES son documentos y fuentes de información que poseen un contenido histórico y que narran episodios de la vida social del Perú. 

Cada uno de ellos son el mejor recurso que tenemos para representar una zona determinada. 

Según las bases de los concursos de marinera, estos serían los vestuarios que deberían usar quienes desean participar, difundir y representar parte de la cultura de los pueblos del Perú.

Actualmente lo que observamos en la realidad ES OTRA COSA. El vestuario que usan (especialmente las damas) tiene más de fantasía que fidelidad. Nadie duda de su belleza y factura, pero la fastuosidad está llegando a extremos y la irresponsabilidad está cometiendo excesos.

No se puede seguir promoviendo y permitiendo tal distorsión. Son los propios organizadores de concursos los que deben hacer cumplir sus propias bases.

Lo penoso de esta corriente “modernista” es que poco a poco sus “creaciones” sirven como modelo y son imitados y mejorados por otros, gracias al desconocimiento y la desinformación.

Con mi punto de vista, NO PRETENDO limitar a la creación o recreación. NO. Lo que intento es que podamos difundir con responsabilidad y con mayor veracidad NUESTRO FOLKLOR, porque en él está concentrado la síntesis de nuestra historia, manifestado a través del arte.

Ronald Fernandez

A propósito de John Cage - Rodolfo Holzmann

De nuestro colaborador Néstor Ríos Ch. (Asociación Mariano Nicolás Reynoso), compartimos este pequeño artículo escrito por Rodolfo Holzmann, nos da una idea general de los cambios que por aquellos años se presentaban en el ambiente musical mundial, y su crítica a las nuevas creaciones musicales:

A propósito de John Cage

Si el arte se considera como un reflejo de las fuerzas culturales de una era, las del Siglo xx proceden casi íntegramente de los avances en los campos de la tecnología y la ciencia. Somos lo suficientemente conscientes para darnos cuenta que vivimos en una era de experimentos técnicos y de desarrollos que han dado como resultado un concepto totalmente científico de nuestra vida. Como consecuencia inmediata, ha surgido una brutal indiferencia ante el individuo como personalidad humana, además de originarse una avalancha de incertidumbre, descontento, desilusión, penuria y hambre.

El artista, exponente vital de la inquietud y del adelanto, trata, como es de su destino, de incorporar en sus creaciones los aspectos intelectuales, espirituales, sociales, científicos y morales de su tiempo. En la larga historia de la humanidad y, específicamente, del arte, siempre ha existido el pionero, el renovador. En las épocas de grandes cambios, muchas veces consecuencia de convulsiones, años de posguerra o de reformas sociales, la reacción contra lo establecido, contra lo formal, contra lo tradicional parece haber sido siempre un mal necesario y el “enfant terrible”, hoy “hippie”, no es sino la expresión genuina de una pugna natural entre generaciones antagónicas en su educación y sentir.

En la Alemania de la primera posguerra, por los años del 20, el Sturm und Drang, ya conocido de épocas anteriores, dio lugar a pujantes movimientos artísticos que hicieron de Berlín un centro de florecientes manifestaciones novedosas; e igual ocurrió, casi simultáneamente, en las demás capitales europeas. Herwarth Walden y su grupo, Arnold Schónberg y sus discípulos, Picasso, Dalí, el arquitecto Gropius del "Bauhaus", son exponentes de la nueva era y poseedores de una gran e incuestionable personalidad. Y he aquí la raíz de toda discusión acerca del valor intrínseco del arte contemporáneo: LA PERSONALIDAD.

De aquellos años del Sturm und Drang, en que docenas de "artistas" nuevos impresionaron (o trataron de impresionar) a públicos ávidos de sensaciones nuevas, sólo pocos han llegado hasta nosotros. Los nombres de la mayoría de ellos han quedado olvidados. Y en nuestra época, donde ocurre lo mismo, también se cuentan por docenas los "innovadores", pero ¿cuántos llegarán a ser más que sólo un nombre en los diccionarios y enciclopedias?

Lo "novedoso" origina siempre su pro y su contra entre grupos divergentes, causa comentarios, críticas y discusiones, pero pasado el momento histórico de su aparición y, sobre todo, de su motivación, el tiempo se encarga de depurar las creaciones, separando las de verdadero valor de otras meramente experimentales, dándonos así la posibilidad de distinguir entre fríos especuladores e inspirados innovadores.

Los tipos del "sensacionalista" o del "experimentalista", por brillantes y atractivos que resulten, no conseguirán validez si no disponen de suficiente personalidad para que sus creaciones se constituyan en obras de gran aliento, coherencia y fuerza expresiva. Ningún principio demostrativo de experimentos científicos, técnicos, aplicación de fórmulas matemáticas o uso de máquinas automáticas podrá garantizar un valor estético suficientemente amplio para hacer sobrevivir una obra o el nombre de su autor más allá de la época en que "asombró" al público si a ello no va íntimamente ligada una auténtica vocación y personalidad.

Hay un largo camino del "Sonido 13" de Julián Carrillo, de la escritura en fracciones de tonos de Alois Haba, del dodecafonismo de Schoemberg suavizado por la concentrada musicalidad de Alban Berg o intensificado y sintetizado por el trabajo serial de Webern, de la posterior vuelta a sonoridades consonantes en los compositores de origen latino, de la integración rítmica de Stravinsky, a las tendencias actuales. La música concreta pertenece hoy ya a la historia, ha dejado sonoridades y enseñanzas que se han aprovechado e incorporado a la música electrónica posterior. Esta misma, palideciendo ya de su brillo inicial, ha tenido que ceder el paso a la música aleatoria que, en su actual apogeo, peca (entre otras cosas) de consideraciones en cuanto a la calidad del ejecutante, pues la improvisación, tan frecuente en épocas pasadas, no es precisamente el fuerte de la nuestra.

La curiosidad de la mente humana y su incontenible afán para ir descubriendo los secretos del universo, se manifiesta en todos los campos científicos y, que nadie se extrañe, también en el arte. Si el individuo queda hoy reducido ya, en sumo grado, a un número sin mayor importancia y la mecanización adquiere caracteres espantosos que amenazan el futuro de la interferencia personal, paralelamente tiene que existir el fenómeno de una creación artística que ya no apela a la sensibilidad tradicional sino que se dirige llamativamente a una nueva generación en formación, con la intención de establecer un puente entre el período actual y un futuro bastante incierto.

En los Estados Unidos de Norteamérica, mucho antes de John Cage, Charles Ivés fue musicalmente (decimos "musicalmente) el más audaz de su época al escribir en un estilo disonante que aún hoy deja perplejos a sus conocedores. Fue "descubierto" no hace mucho, pero los experimentalistas "de moda" le han ganado en actualidad. Entre ellos, aunque pueda haber valores reales, muchos esconden debajo de sus "presentaciones" una indudable falta de inspiración y preparación, y el crítico no avisado puede fácilmente caer en el error de calificar la obra de "impacto" o "sensacional".

Deberíamos decir: novelería no, originalidad sí. La ausencia de seriedad y respeto va, a veces, hasta tal grado que se organizan audiciones públicas (también en nuestro medio) durante las cuales un "movimiento" de una "obra" se limita a que el autor en persona, sentado ante el piano, mira su reloj sin tocar nada; en otro movimiento se apaga la luz por unos minutos —payasadas de un hippie musical. El público, atraído por lo desacostumbrado del espectáculo, acude por curiosidad, pero no se lleva, salvo diversión y risas, emoción estética alguna.

En ello, las audiciones de tal naturaleza se asemejan al espectáculo circense y, posiblemente, John Cage se haya inspirado, con su piano "preparado", en ciertas escenas, por demás artísticamente buenas, de las películas de Chaplin. Como el mayor exponente del arte avant-garde en los Estados Unidos, Cage proclama la total "despersonalización" en sus composiciones que, más que de música, consisten en ruidos originados, intencionalmente, al azar. Si un innovador (?) es capaz de presentarnos una obra para 12 aparatos de radio manipulados por 24 ejecutantes (uno en cada aparato maneja el dial y el otro el volumen), seguimos creyendo que lo que hace al creador auténtico es la personalidad, y no la búsqueda de sensaciones superfluas que nada aportan al arte de la música en sí. Aunque Cage sea probablemente un producto típico de nuestra época, y específicamente del país del Norte, por cierto no es el músico representativo que nos hace falta. Tal vez el mejor calificativo para sus "obras" lo dio el mismo Cage al afirmar durante un discurso: "No tengo nada que decir... y estoy diciéndolo...".

Rodolfo Holzmann
compositor, profesor, director de orquesta

(1910-1992)

Fuente:
Revista de artes y ciencias AMARU, Nro. 014, Lima, enero de 1971.

Música en las Misiones jesuitas de Bolivia y Paraguay

Hace poco vi la película LA MISIÓN (1986), con la bella música de Ennio Morricone, a raíz de ello me informé muchísimo más sobre la bella música que se preservó en nuestra América, un concepto único en el mundo.

Dejo algunos vídeos al respecto sobre el contexto de las principales misiones jesuitas en Bolivia y Paraguay.

H a i t í

Una gran reunion de artistas para dar a conocer la realidad de un país hermano como Haití, a difundirla y apoyar.

Felices Fiestas !!!

La musica que se viene...

Hace un momento me puse a pensar sobre que tipo de música nos espera, ¿cuál provocará la atención de muchos de nosotros?, especulando y volviendo al comportamiento cíclico, tan típico en el ser humano, podría plantear que buscaremos un sonido mas sincero, más calido, más nuestro... refiriéndome musicalmente a sonidos de resonancia pura, menos trabajados tecnologicamente, voces que a pesar de su perfección no comunican, no expresan. Esperamos en el futuro grupos musicales que se han mantenido en el anonimato y que al escucharlos realmente nos escuchamos a nosotros nuestras vivencias culturales, y la pura bulla y desenfreno.

Paso a paso

1. Tener una idea clara de mi identidad, aquello que pienso de mí mismo es lo qe espero en el futuro y condicionará las deciciones. Los qe nos rodean refuerzan nuestra la identidad.


2. Empezar con el cuadro general de qe es lo qe qiero alcanzar en mi vida, una imagen clara de lo qe persigo. Para armar el rompecabezas es necesario tener la imagen.


3. Planear en partes pequeñas, ¿qé me toca hacer hoy?


4. Comprometerte con tus decisiones, "Para que una decisión sea sabia, hay que tomarla una y otra vez"


5. Motivar a otros, ayudar a otros a cumplir sus sueños, comprometerse a ayudarlos.


6. Administrar bien el tiempo.

Ese pequeño punto azul palido

Excelente video sobre la tierra y el espacio, no dejes de verlo !!